Armonía
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ARMONÍA III
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TONALIDADES RELATIVAS
MAYOR - MENOR
Las escalas o tonalidades relativas son aquellas que comparten una misma armadura, siendo una mayor y la otra menor. Para encontrar la escala relativa menor de cualquier escala mayor sólo debemos mover la tónica al sexto grado, de manera que la escala relativa de Do Mayor será La menor. Del mismo modo, para encontrar la escala relativa mayor de cualquier tonalidad menor, debemos mover la tónica a su tercer grado, es decir, la escala relativa mayor de Do menor será Eb mayor.
Clasificaciones De Los Intervalos
Según la distancia entre las notas
● Intervalos simples:
Son los que abarcan una octava o menos (hasta 8ª).
Ej: segunda, tercera, cuarta, quinta, sexta, séptima, octava.
● Intervalos compuestos:
Abarcan más de una octava.
Ej: novena (2ª + 8ª), décima (3ª + 8ª), oncena (4ª + 8ª).
Según la cualidad del intervalo
• Justo: Unísono, cuarta, quinta y octava pueden ser justos.
• Mayor: Segunda, tercera, sexta, séptima.
• Menor: Un semitono más pequeño que su equivalente mayor.
• Aumentado: Un semitono más grande que un mayor o justo.
• Disminuido: Un semitono más pequeño que un menor o justo
El Romanticismo musical representó una de las épocas más revolucionarias en la historia de la música, tuvo grandes avances en armonía, forma e instrumentación
Avances en la Armonía
Durante el Romanticismo, la armonía se expandió significativamente, alejándose de las restricciones del Clasicismo
Aumento de la complejidad armónica.
Se introdujeron acordes más complejos, de séptima, novena, y acordes de paso. Los compositores también usaron acordes de alteración modal y de tránsito, creando armonías más ricas y menos predecibles.
Progresiones armónicas más libres.
A diferencia de las formas rígidas y predecibles del Clasicismo, los compositores románticos emplearon progresiones armónicas más libres y creativas. A menudo, se alejaban de la tonalidad principal para explorar tonalidades distantes y modulación, aumentando la expresividad emocional.
Modulaciones audaces.
En lugar de seguir las modulaciones tradicionales, como la modulación a la dominante, los románticos se aventuraron a modulación más inesperadas y distantes. Por ejemplo, la modulación a tonalidades menores o a tonalidades no relacionadas se convirtió en algo común.
El uso del cromatismo.
Los acordes cromáticos, que contienen notas fuera de la escala tonal, fueron ampliamente utilizados para agregar tensión y emoción a las composiciones. Esta técnica, que a menudo estaba asociada con la expresión de lo "desgarrado" o "sublime", llegó a su culminación con compositores como Wagner y Liszt.
Avances en la Forma Musical
Aunque el Romanticismo mantuvo muchas de las formas tradicionales del Clasicismo, como la sinfonía, la sonata y el cuarteto de cuerdas, también experimentó con la estructura, la expansión de la forma y la innovación.
Expansión de las formas tradicionales.
Las formas clásicas como la sonata, la sinfonía o la obertura se ampliaron en duración y complejidad. Las sinfonías de compositores románticos como Beethoven o Mahler son mucho más largas y presentan más movimientos que las sinfonías de compositores clásicos.
La forma cíclica.
Algunos compositores románticos, como Berlioz y Wagner, utilizaron la "forma cíclica", donde una misma melodía o tema es repetido y transformado a lo largo de una obra, creando una unidad temática que une secciones o movimientos de la obra.
Instrumentación
Innovaciones en la orquesta: La orquesta romántica se amplió considerablemente. El número de músicos aumentó, y se incorporaron nuevos instrumentos o se perfeccionaron los ya existentes.
El uso del piano como instrumento protagonista. El piano experimentó avances técnicos significativos durante este período, con la creación de pianos de mayor alcance tonal y dinámico.
Técnicas de orquestación complejas.
Los compositores románticos como Berlioz, Wagner y Mahler llevaron la orquestación a nuevos niveles. Berlioz, en particular, escribió tratados sobre orquestación y experimentó con combinaciones inusuales de instrumentos. Los timbres orquestales se exploraron en profundidad, y la textura se hizo más rica y variada.
El protagonismo de la voz humana. Durante el Romanticismo, se dieron grandes avances en la ópera, con compositores como Verdi, Wagner y Puccini. El uso de la voz humana como un "instrumento" de expresión dramática llevó la ópera a un nivel más profundo, y las técnicas vocales se volvieron más exigentes.
ARMADURAS
Son alteraciones fijas que establecen la tonalidad. Se escriben al principio de cada sistema, justo después de la clave. Se ordenan por sostenidos ó por bemoles.
Orden de Sostenidos:
Fa Do Sol Re La Mi Si
Orden de Bemoles
Si Mi La Re Sol Do Fa
ACCIDENTALES
Son alteraciones que no forman parte de la armadura diatónica pero que funcionan de forma cromática en la tonalidad.
NOTA:
Tonalidad es el conjunto de funciones, relaciones y jerarquizaciones de las notas y los acordes en factor de una nota principal llamada Tónica.
FAMILIAS DE ACORDES
Y SUS FUNCIONES TONALES
¿Qué son las familias de acordes?
¿Cuáles son sus funciones tonales?
¿Cómo se utilizan en la sustitución diatónica?
Las familias de acordes son agrupaciones de acordes que comparten una función tonal común dentro de una tonalidad. En la música tonal occidental, los acordes diatónicos (aquellos construidos a partir de las notas de una escala mayor o menor) se agrupan en tres grandes familias funcionales:
Tónica (Función de reposo).
Son acordes que expresan estabilidad, resolución ó descanso. No generan tensión, sino reposo.
En tonalidad mayor: I, vi, iii
En tonalidad menor: i, VI, III
Subdominante (Función de preparación).
Son acordes que preparan la llegada de la dominante. Generan una tensión suave y conducen hacia un acorde más tenso.
En mayor: ii, IV
En menor: ii°, iv
Dominante (Función de tensión).
Son acordes que crean tensión y exigen una resolución hacia la tónica. Se caracterizan por contener el tritono (en el caso del V7 o vii°) que genera inestabilidad.
En mayor: V, vii°
En menor: V, vii°
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Este ciclo armónico es fundamental:
Tónica → Subdominante → Dominante → Tónica
Este patrón genera un sentido de viaje armónico: empieza estable, se aleja, crea tensión, y finalmente regresa al punto de partida.
La sustitución diatónica consiste en reemplazar un acorde por otro que cumple una función similar, dentro de la misma tonalidad.
Clave: Misma función = posible sustitución
Aquí es donde las familias entran en juego. Si dos acordes pertenecen a la misma familia funcional, pueden sustituirse entre sí sin romper la lógica tonal.
Sustituciones dentro de la función tónica:
I ↔ vi ↔ iii
En C mayor: C ↔ Am ↔ Em
Ejemplo: En lugar de terminar en C, puedes usar Am para un color más suave.
El modo lidio
Es una de las herramientas más valiosas y distintivas, utilizada para crear atmósferas sonoras particulares y enriquecer la paleta de colores de la composición y la improvisación. Es conocido por su carácter brillante que lo diferencia de la sensación más estable y resolutiva de la escala mayor.
Principales características
Estructura interválica.
El modo lidio se define por la fórmula interválica: tónica (1), segunda mayor, tercera mayor, cuarta aumentada, quinta justa, sexta mayor y séptima mayor.
1, 2, 3, #4, 5, 6, 7
Generación:
Se puede obtener tocando una escala mayor desde su cuarto grado. Por ejemplo, C Lidio contiene las mismas notas que G Mayor, pero se centra en C como tónica.
Sensación sonora.
Su sonoridad se percibe como etérea, soñadora, mítica o de fantasía, a menudo evocando una sensación de equilibrio y elevación. Esta cualidad surge de la cuarta aumentada, que evita la fuerte atracción resolutiva de la cuarta justa hacia la tercera.
Funciones Armónicas
El acorde tónico en el modo lidio es un acorde de séptima mayor (Maj7), que contiene el intervalo característico de la cuarta aumentada como una de sus extensiones disponibles (#11).
Armonía modal independiente.
El lidio puede ser la base para una pieza completa o una sección, estableciendo una sonoridad modal exótica, distinta a la tonalidad funcional.
Intercambio modal.
Dentro de una progresión de acordes en una tonalidad mayor, se puede utilizar un acorde de la región modal lidia. El acorde IV Maj7 de la tonalidad mayor (que es lidio natural) es el punto de intercambio más común. Por ejemplo, en una progresión en C Mayor, se puede usar un acorde F#m7b5 en lugar de un F Maj7 para introducir el color lidio.
Notas de color.
Son aquellas que resaltan la sonoridad única de un modo. En el modo lidio, la nota de color por excelencia es la cuarta aumentada (#4, #11). Es la nota que define el modo y le da su sonido característico. Al improvisar o componer, enfatizar esta nota sobre el acorde tónico crea inmediatamente la atmósfera lidia.
Usos Principales
Composición modal.
Para los compositores que buscan crear música sin la tensión y resolución de la armonía funcional, el modo lidio ofrece una base estable y colorida sobre la cual construir melodías y progresiones.
Rock y pop progresivo.
Algunos géneros más experimentales han adoptado el modo lidio para apartarse de la sonoridad más convencional del mayor y el menor. Steve Vai y Joe Satriani son guitarristas conocidos por usar el lidio y sus variaciones.
Jazz y fusión: En la armonía moderna, especialmente en el jazz, el modo lidio se utiliza para improvisar sobre acordes Maj7 añadiendo un color sofisticado y brillante. Se combina a menudo con otros modos para crear variaciones interesantes. El acorde Maj7(#11) es una estructura armónica básica del jazz contemporáneo.
Música de cine y videojuegos: Por su cualidad mística, etérea y de ensueño, el modo lidio es muy popular para crear bandas sonoras de fantasía, ciencia ficción o para acompañar escenas de heroísmo y asombro. Por ejemplo la banda sonora de Los Simpson y el tema principal de Star Wars.
ESTRUCTURAS CONSTANTES
Qué son las estructuras constantes?
Este concepto trata de la libertad melódica sobre progresiones armónicas complejas. A grandes rasgos, las estructuras constantes se refieren a:
1. Usar el mismo tipo de acorde (estructura) sobre una sucesión de raíces no relacionadas funcionalmente.
2. Estas raíces cambian de forma simétrica o a intervalos regulares (por ejemplo, terceras mayores, cuartas aumentadas, etc.)
3. Permite improvisar usando un enfoque más vertical (basado en los acordes) pero con coherencia melódica por la repetición estructural.
Ejemplo simple: Maj7 en terceras mayores
Vamos a construir una progresión utilizando solo acordes Maj7, a distancia de tercera mayor:
Cmaj7 → Emaj7 → Abmaj7 → (Cmaj7)
Todos los acordes tienen la misma estructura (Maj7)
Las fundamentales están a distancia de una tercera mayor
Este ciclo vuelve a empezar en C después de tres acordes.
Desarrolla la melodía respetando el carácter de cada acorde.
Utiliza las notas del acorde en arpegios ó de forma quebrada.
Utiliza las notas de la escala mayor correspondiente a cada tónica.
Utiliza enlaces melódicos entre acordes por notas comunes ó cromáticas.
ESCALAS SIMÉTRICAS
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Las escalas simétricas son un recurso fundamental tanto para la improvisación como para la composición y la rearmonización.
Una escala simétrica es aquella cuya estructura interválica se repite de forma regular dentro de la octava.
Dicho de otro modo: su patrón de intervalos es constante o cíclico, generando una simetría interna.
Tipos de escalas simétricas
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ARMONÍA NO FUNCIONAL
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